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La Martha Graham Dance Company no cumplirá 100 años hasta 2026, pero evidentemente no es demasiado pronto para empezar a celebrar. La compañía conmemora el hito con no una, sino tres temporadas en Nueva York, la primera de las cuales se inauguró el miércoles en el New York City Center.
«No pudimos encajarlo en un año», dijo Janet Eilber, directora artística de la compañía, en un discurso de cortina, y agregó: «Nos sentimos bastante animados para nuestra edad».
Bajo el título «Legados americanos”, la temporada incluye una nueva producción de “Rodeo” de Agnes de Mille, su ballet de 1942 ambientado en un rancho en el suroeste de Estados Unidos; el estreno en Nueva York de “We the People”, coreografiada por Jamar Roberts con música de Rhiannon Giddens; y “La consagración de la primavera” de Graham (1984), entre otras obras.
Algo de esto parece más anticuado o obediente que alegre, pero una parte del programa de gala del jueves realmente hizo vibrar el teatro: una aparición especial del cantautor británico FKA twigs. La compañía se conectó con ella en Instagram el año pasado después de que FKA twigs, quien creció entrenando en varios estilos de baile, incluida la técnica Graham, compartiera una de sus publicaciones.
En su interpretación del breve solo cómico de Graham “Satyric Festival Song” (1932), no se guardó nada, imbuyendo sus saltos elásticos, miradas inquisitivas y estremecimientos de todo el cuerpo con una seguridad despreocupada y una concentración reverente. Puede que no tenga las contracciones cinceladas de una bailarina de Graham de toda la vida, pero sabe cómo mantener la atención del público. Al presentarla, el veterano bailarín de la compañía Lloyd Knight llamó a FKA twigs “el miembro más nuevo de la familia Martha Graham Dance Company”.
¿Volveremos a ver a FKA twigs en sus escenarios? Las colaboraciones de celebridades en la danza a menudo son tensas y fabricadas con fines de marketing. Pero ésta, aunque seguramente buena para la venta de entradas, parecía surgir de una genuina admiración mutua. Cuando bajó el telón, se podía escuchar a los bailarines gritando llamándola detrás del escenario.
Quizás impulsada por la emoción de este acto de apertura, la compañía lució extra eléctrica en los dos trabajos que siguieron: “Maple Leaf Rag” (1990), la alegre presentación de Graham de sus propios impulsos melodramáticos (la última pieza que coreografió, en el número 96); y su “La consagración de la primavera”, basada en la partitura de Stravinsky de 1913 y que revela esos impulsos bajo una luz menos satírica.
Comparado con otro famoso “Rito” bailado recientemente en Nueva York (el de Pina Bausch en Park Avenue Armory), el de Graham es decididamente torpe, con un personaje masculino premonitorio (el Chamán) supervisando el ritual del sacrificio contra un telón de fondo de nubes de tormenta y luces intermitentes. rayos. Sin embargo, la obra logró trascender estas limitaciones el jueves, gracias a la vitalidad de la música en vivo de la Orquesta Mannes y, sobre todo, a una actuación heroica de Xin Ying como la Elegida, la doncella seleccionada para el sacrificio.
Si bien era tan clara y controlada como el enfático coro de bailarines que la rodeaban, Xin también ofrecía una especie de contrapunto enérgico, una apariencia fantasmal, mientras se tambaleaba y convulsionaba hacia su destino, con su largo cabello negro desatado por las otras mujeres del elenco en un momento de intimidad inquietante. Cuando la dejaron sola, afortunadamente sin interrupciones durante un breve período, Xin dejó que los bordes duros del vocabulario de Graham se desdibujaran y se disolvieran, sin ocultar su agotamiento en este maratón de papel, y superándolo una y otra vez. Atrapada en varios momentos por cuerdas, telas y el agarre de los hombres que la sostenían en alto, parecía aferrarse a la vida tan despiadadamente como las fuerzas que se la quitaban.
“Rodeo”, que se presentó el miércoles junto con “We the People” (en un programa que cerró con “Maple Leaf Rag”), describe rituales comunitarios de una variedad más optimista. Originalmente interpretada por el Ballet Ruso de Montecarlo, “Rodeo” cuenta la historia de una vaquera que solo quiere encajar con los chicos, su coreografía está tejida con bailes en cuadrilla, claqué y muchos lazos gestuales. Laurel Dalley Smith encarnó brillantemente a esta valiente protagonista, su comedia física respaldada por una técnica impecable, ya fuera imitando un trote a caballo o dejándose caer al suelo en un hosco ataque de dolor.
Se ha hecho mucho para desempolvar el viejo ballet. En particular, la reposición presenta un nuevo arreglo de la partitura de Aaron Copland, de Gabe Witcher, para una banda de bluegrass de seis integrantes que tocó en vivo con una riqueza casi voluptuosa. Nuevos trajes de colores saturados, de Oana Botez, iluminan el escenario. Sin embargo, la historia en sí permanece congelada en el tiempo y, vista a través de una lente moderna, es un poco triste. Dejada de lado por los vaqueros, burlada por damas más femeninas y excluida de los bailes grupales, la vaquera vestida de mezclilla busca aceptación, que encuentra solo después de reemplazar sus pantalones por una falda floral. Eso llama la atención de los chicos.
Encargado como complemento contemporáneo de “Rodeo”, “We the People”, el primer trabajo de Roberts para la compañía Graham, renuncia al énfasis de De Mille en la pareja (y en la narración directa) pintando en cambio un retrato más impresionista del poder colectivo y la protesta. Se abre con un solo en silencio de la siempre deslumbrante Leslie Andrea Williams, quien ancla el espacio lleno de neblina con su presencia fundamentada: una inhalación lenta y sostenida que da lugar a giros urgentes del torso.
Mientras comienza el punteo y rasgueo de la partitura de Giddens (también arreglada por Witcher), a Williams se le une un conjunto que se ha mantenido en las sombras detrás de ella (todos vestidos con mezclilla por Karen Young). A lo largo de la obra, el movimiento del grupo exuda una actitud de confrontación y de disposición para la batalla. De cara al público, los bailarines sostienen los puños delante de la cara o en el aire. Un solo de Lloyd Knight, que hace un potente uso de la lentitud y la quietud, especialmente en una bisagra giratoria hacia atrás, se lee como una referencia directa y penetrante a la violencia institucional infligida a los hombres negros.
Roberts también se enfrenta a la música de frente, con poses angulares que avanzan un conteo tras otro. Podría ser una metáfora, en movimiento, para no andar con rodeos sobre el legado de Estados Unidos.
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