Emily Molnar, directora artística del Nederlands Dans Theatre, se compromete a brindarle bailarines, como ella misma ha dicho: “agencia creativa y un mayor sentido de pertenencia.”
Eso importa en el estudio. Quieres que importe en el escenario. Pero sin bailes sustanciales para bailar, no puede evitar importar muy poco, especialmente en lo que respecta a promover la individualidad que surge, como se espera, de tener agencia creativa en primer lugar.
La compañía, bajo la dirección artística de Molnar desde 2020, volvió a Centro de la ciudad de Nueva York el miércoles con el apoyo de Dance Reflections de Van Cleef & Arpels y tres obras, entre ellas “NNNN” (2002) del estimado William Forsythe. (Como bailarín, Molnar era miembro de su Ballet de Frankfurt). No es Forsythe en su mejor día (es demasiado juguetón como para volar realmente), pero al menos fue conciso, con bailarines que parecían personas reales. A medida que avanzaba la noche, esto no era necesariamente la norma.
En la obra de Forsythe, cuatro hombres crean una partitura utilizando su respiración, que proporciona el ritmo y el pulso coreográfico junto con la música apenas visible de Thom Willems. Balanceando los brazos, apoyando las manos en los hombros del otro, inhalaban y exhalaban con fervor. Su respiración, aguda y prolongada con algún silbido ocasional, reflejaba el ascenso y caída de sus extremidades.
Se golpeaban y golpeaban ligeramente mientras se alineaban uno al lado del otro, enredándose y desenredándose como rompecabezas entrelazados, pero había algo extraño en su flujo ya que su movimiento desde el principio parecía premeditado. Era como si anticiparan cómo bajaría su peso en lugar de dejarse guiar por él.
Aún así, la ingeniosa Forsythe es mejor que nada. Las otras obras del programa fueron creadas por dúos, lo que realmente demuestra que dos coreógrafos no son mejores que uno. En «El punto es» la pareja coreográfica holandesa formada por Imre y Marne van Opstal, hermanos y antiguos miembros de la compañía Nederlands, colaboró con Lonneke Gordijn y DRIFTun estudio de Ámsterdam, para crear una instalación de luz que interactuaba con cuerpos danzantes.
Delante y detrás de los bailarines colgaban delicadas escaleras de cuerda, como cortinas, en medio de un paisaje de sombras y focos, que a veces destellaban como rayos de vigilancia. En cuanto al look, ¿beige y polvoriento? Estaba sacado de «Dune». Con una coreografía atribuida a los van Opstals y DRIFT, los bailarines, envalentonados por una cualidad de movimiento lúgubre, dejaron atrás su humanidad. En lugar de eso, se transformaron (suspiro) en criaturas con rostros enmascarados por expresiones de dolorosa concentración.
El trabajo pretendía explorar, en parte, la noción de sincronicidad. Si bien los bailarines, a veces, formaban equipo, encarnando una cualidad de cámara lenta pesada y reconocible, las mujeres no siempre estaban en igualdad de condiciones, sino que tenían cuerpos propensos a la manipulación. En unos momentos, sentí que me arrastraban por los tobillos y las muñecas, junto con una posición que me dejó frío: un agarre masculino justo debajo de la barbilla, los dedos alrededor de la garganta.
Aparte de los dúos y tríos escultóricamente pegajosos, los grupos atravesaron el escenario caminando ordenadamente, lo que ofreció otra capa pero poca tensión. Quizás el punto de “The Point Being” fue que era un espectáculo de luces. para bailando en lugar de un baile. En todo momento, el diseño, que presentaba luces que se movían a lo largo del costado del escenario, cambió para crear, en su mejor momento, un elegante resplandor del amanecer. Pero principalmente dentro de esta coreografía del espacio, los cuerpos fueron reducidos a poco más que una especie de articulación sin sentido y sin huesos.
Otro dúo coreográfico, Sharon Eyal y Gai Behar presentaron “Jakie” en gran parte un trabajo conjunto para 16. Como la mayoría de los bailes de Eyal y Behar, “Jakie” fue una incursión en un mundo de sensualidad férrea y andrógina, un camino pavimentado por los muchos años de Eyal con Batsheva Dance Company y el lenguaje de movimiento Gaga de Ohad Naharin. Con monos que hacían juego con su tono de piel, las bailarinas fueron presentadas casi desnudas y asexuadas mientras se tambaleaban en media punta, balanceándose sobre las puntas de sus pies mientras se movían más o menos como un grupo: formaciones de Barbies incómodas, torcidas y retorcido, sudoroso y tenso.
Con una música vibrante de Ori Lichtik (también hay música de Ryuichi Sakamoto, interpretada por Alva Noto), “Jakie” era deliberadamente repetitiva mientras los bailarines, más nerviosos que hipnóticos, se movían como uno solo bajo la iluminación apocalíptica de Alon Cohen. Más que un baile, “Jakie”, con sus piernas temblorosas y sus torsos contorsionados, era una vibración extendida. Los bailarines se pellizcaban los lóbulos de las orejas y mantenían los dedos en el aire, lo que añadía formas (astas o branquias) a sus siluetas. En Holanda, era más de lo mismo: bailarines haciéndose pasar por extraterrestres.
Teatro Nederlands Dans
Hasta el sábado en el centro de la ciudad de Nueva York, Manhattan; nycitycenter.org.