Las galas de ballet son un tipo especial de espectáculo, tanto de charlas, discursos y vestidos como de baile. Los ballets creados para tales ocasiones tienden a seguir ciertos patrones y fórmulas: generalmente optimistas y a menudo enfatizan las oportunidades para que los bailarines se lucen. Como ocurre con cualquier género, una pieza estilo gala se puede hacer de forma rutinaria o fresca, y en la gala de primavera del New York City Ballet el jueves, los dos estrenos fueron bastante frescos.
En sus vínculos con la compañía, los coreógrafos presentaban un contraste. Justin Peck, coreógrafo residente y asesor artístico del City Ballet, aportaba su trabajo número 24 para la compañía. Amy Hall Garner, a mitad de carrera, recién en demanda coreógrafa, la ofrecía primero. Pero estos bailarines eran similares en lo que ofrecían: lo habitual, con un toque especial.
Después de “Rubies” de George Balanchine, la pieza de Peck ocupó el primer lugar. Su fórmula era el paso a dos, baile de desafío por turnos; su elenco, el confiablemente maravilloso equipo de Tiler Peck y Roman Mejía. El giro principal fue la elección de la música: Vijay Iyer. «Excava lo que dices» – que dio título al baile – está inspirado en James Brown. Se necesita un cuarteto de cuerda (aquí el PUBLIQuartet) y lo hace funky.
Un dúo de baile desafiante es el territorio de origen de estos artistas, bien equipados con la potencia de fuego para lograr una escalada. Pero la dinámica se acentuó aquí de forma divertida con otro giro: una pelota. Intercambiándose, los bailarines se lo pasaban, a veces haciéndolo rebotar en la pared del fondo: él tenía una pelota, ella tenía una pelota y ellos tenían una pelota juntos. Fue lindo.
Brandon Stirling Baker iluminó la pieza con elegancia, su diseño escénico puso números estarcidos en las alas que sugerían un almacén o tal vez un antiguo gimnasio. Humberto León vistió a los bailarines de gris y negro. Sin embargo, fue su habilidad lo que hizo que la actuación fuera más que linda.
Tiler Peck es famoso por su música (y Roman Mejía no se queda atrás). Su extraordinario control la convierte en una maestra del tiempo, y la coreografía lo aprovechó. Usó su capacidad para cambiar de velocidad o detenerse a voluntad para captar la percusión del funk, pero también disminuyó la velocidad para estirarse sobre el ritmo. El dúo terminó de forma tradicional, con el clímax habitual de fouettés y grandes piruetas, aunque incluso éstas tenían un ritmo ligeramente alterado. No es exactamente un bolso nuevo, sino una variación divertida de un modelo clásico.
La pieza de Garner, “Underneath, There Is Light”, también fue inusual en su elección musical. A Garner le gustan las suites, generalmente en forma de mixtape: cuatro o cinco pistas grabadas por diferentes artistas que ordena para lograr el flujo deseado. Pero para este encargo, utilizó la orquesta del City Ballet y se le ocurrió una especie de mixtape orquestal: cinco piezas o movimientos no relacionados, cada uno de un compositor diferente, ninguno de ellos los sospechosos habituales.
El primero fue “Run to the Edge” de Jonathan Dove, y los bailarines corrieron, cruzando apresuradamente el escenario en ambas direcciones. Lo que siguió, aunque estuvo salpicado de breves solos y dúos, fue en gran medida una pieza de conjunto, con bailarines de todos los rangos. (Taylor Stanley no actuó debido a una lesión. Gilbert Bolden III y David Gabriel compartieron valientemente los papeles de Stanley).
Los recientes encargos de alto perfil de Garner han sido para grupos de danza moderna, como Alvin Ailey American Dance Theatre y Paul Taylor Dance Company. “Underneath” demostró que sabe ballet. La coreografía tuvo fluidez y algo de rapidez.
Aparte de algunos pasos sinuosos para Miriam Miller, quien dobló sus rodillas precariamente mientras se balanceaba en punta, no hubo mucha invención en vocabulario o distinción a pequeña escala. Donde Garner sobresalió fue en el flujo y el impulso general, en el diseño colectivo en movimiento: tres parejas a las que se unió un solista, pronto se unió un compañero, todos ellos pronto serán reemplazados por tres bailarines más que se movían según el patrón canónico, y así sucesivamente. (Las velas colgantes del conjunto de Mark Stanley, que contaban las secciones de la obra en reversa elevándose fuera de la vista una por una, no se movían tan suavemente.)
La coreografía de Garner retomó el tinte latino en parte de “Danzas de Panamá” de William Grant Still y reflejó la forma de fuga en “Suite para cuerdas” de Aldemaro Romero. Al final, la obra cambió a un ambiente más soñador, los bailarines cambiaron de trajes negros brillantes (de Marc Happel) a vestidos amarillos soleados para las mujeres y monos grises incómodos para los hombres con las piernas desnudas.
Ahora la música era de “Los Pinos de Roma” de Respighi, una exuberante pieza de romance nocturno a la antigua usanza que incluye una grabación de un ruiseñor. Arriesgándose a ser empalagoso, el trabajo adquirió un brillo silencioso. Modificando suavemente las convenciones, Garner hizo un debut consumado. Nada mal para una gala.
Ballet de la ciudad de Nueva York
Hasta el 2 de junio; nycballet.com.